Guide et glossaire des bijoux anciens : reconnaître les styles et époques
Comprendre les bijoux anciens, c’est apprendre à lire entre les lignes de l’or et des pierres. Chaque époque a sculpté ses rêves et ses symboles dans la matière. Pour vous aider à reconnaître les styles, voici un voyage grâce à ce guide et glossaire des bijoux anciens à travers les époques qui ont façonné l’élégance européenne.
1. Fin du XVIIIème siècle : l’éclat de la Cour (Louis XVI & Marie-Antoinette)
Sous l’influence de Marie-Antoinette, la joaillerie quitte la rigidité baroque pour une féminité naturelle et champêtre. C’est l’ère du sentiment et de la légèreté apparente, malgré la richesse colossale des pièces.
L’Esthétique : Le style naturaliste.
On s’inspire de la nature apprivoisée du Petit Trianon. Les motifs phares sont les guirlandes, les rubans noués, les draperies et les feuilles, les fleurs.
Le Savoir-faire :
Les montures sont en argent pour porter les diamants (afin de ne pas jaunir leur éclat) et en or pour le revers.
Les Pierres :
Le diamant règne en maître, taillé en « rose » ou en « taille ancienne » (plus haute et asymétrique que nos tailles modernes), ce qui leur donne une brillance douce et mystérieuse à la lueur des bougies. Les perles fines sont aussi omniprésentes, tout en restant l’apanage des royautés.
Clé de lecture : Le célèbre « Collier de la Reine » (reconstitué) incarne l’apogée de cette démesure de draperies et de festons de diamants.
2. Les bijoux du Premier Empire : l’éclat au service du pouvoir
Napoléon Ier et l’impératrice Joséphine partageaient une passion commune pour la joaillerie, perçue d’abord comme un instrument de légitimation politique, puis comme un vecteur d’expression sentimentale.
Le prestige de l’Antique pour asseoir l’autorité
Couronne aux camées dite « de Charlemagne », musée du Louvres.
Collier intailles, collection Chaumet
Portrait de l’impératrice Joséphine par Jean-Baptiste Jacques Augustin, début du XIXe siècle.©Nils Herrmann/Chaumet
Tout au long de son règne, Napoléon puise dans le répertoire héroïque de l’Antiquité pour affirmer sa souveraineté. Ce choix n’a rien d’un hasard : lors de son couronnement et sur ses portraits officiels, l’Empereur arbore une couronne de lauriers et en commande une similaire pour Joséphine. Il va jusqu’à transformer la couronne dite de Charlemagne en y intégrant des camées — ces pierres gravées si chères aux Grecs et aux Romains. Pour diffuser cette esthétique impériale, il offre également de somptueuses parures de camées et d’intailles aux femmes de son entourage.
Aigles, oliviers, lauriers, émaux bleus et ors : chaque élément du vocabulaire impérial devient un outil de communication. Les parures officielles, imposantes et structurées, adoptent un style presque architectural rappelant les temples antiques. Ruisselantes de diamants et de gemmes massives, elles sont l’incarnation même de la puissance.
Parure de Marie-Louise en micro-mosaïques, 1810, François-Régnault Nitot et Pierre-Antoine Chanat, musée du Louvre.
Collier de la reine Hortense, dit « chaîne gothique », par J. P. Pitaux, musée de la Malmaison.
De l’apparat à l’intimité : le bijou sentimental
En marge de cette représentation publique, un style plus personnel et romantique émerge. Le bijou devient alors le témoin secret des affections : une bague de fiançailles ornée d’un rubis pour la passion, ou des bracelets « acrostiches » où la première lettre de chaque pierre précieuse compose un message caché.
exemple : Améthyste, Malachite, Opale, Uvarovite, Rubis pour « Amour ».
A gauche : Portrait de Joséphine de Beauharnais impératrice des Français en costume impérial (détail) · par le baron François Pascal Simon Gérard, musée de la Malmaison.
Bracelets acrostiches de l’impératrice Joséphine, collection Chaumet
Le retour du naturalisme et de la couleur
Peu à peu, la nature et la fantaisie reprennent leurs droits. L’émail apporte une touche plus colorée, presque médiévale, tandis que les motifs végétaux gagnent en popularité. Qu’il s’agisse d’un diadème aux épis de blé ou d’une fleur d’émeraude, ces pièces témoignent d’un intérêt grandissant pour le naturalisme, annonçant une nouvelle ère de la joaillerie.
à droite : Marie-Louise, impératrice des Français et le roi de Rome, baron François Gérard, 1812, musée national du château de Versailles.
Diadème transformable en broches et ornements de cheveux, dit diadème Leuchtenberg, Jean-Baptiste Fossin, collection Chaumet
Diadème Epis de Blé de François-Regnault Nitot, collection Chaumet
3. La Restauration et Louis-Philippe : Entre Romantisme, Nature et Sentiment (1815-1848)
Après la rigueur et la grandeur martiale de l’Empire, le bijou retrouve une liberté de mouvement et une poésie mélancolique. C’est l’ère du bijou « de cœur » plus que du bijou d’apparat.
L’orfèvrerie de la Pénurie (La Cannetille)
Au sortir des guerres napoléoniennes, l’or est rare et cher. Pour créer du volume avec un minimum de métal, les orfèvres développent la technique de la cannetille. Il s’agit de fins fils d’or enroulés en spirales ou en volutes, créant des bijoux légers comme de la dentelle. On l’associe souvent au travail au « repoussé » (fines feuilles d’or martelées) pour donner l’illusion de bijoux massifs alors qu’ils sont creux et aériens.
Le naturalisme « vibrant » et symbolique
On adore les fleurs, mais on les choisit pour leur langage caché (le langage des fleurs est très en vogue). L’aubépine (espérance), le jasmin (amabilité) et le myosotis (souvenir) sont omniprésents. La grande innovation technique est le montage en trembleuse : les têtes de fleurs sont montées sur de petits ressorts invisibles qui font scintiller les diamants ou les pierres de couleur au moindre mouvement, donnant vie au bijou.
L’inspiration « style troubadour » (néogothique)
Le Romantisme littéraire (Chateaubriand, Hugo) s’empare des créateurs. Sous l’impulsion de la Duchesse de Berry, on redécouvre le Moyen Âge et la Renaissance. C’est le « Style Troubadour ». On voit apparaître des chimères, des feuilles de lierre (symbole d’attachement), des ogives et des motifs architecturaux de cathédrales. Les ferronnières (fines chaînes portées sur le front avec une pierre au centre) reviennent à la mode, inspirées des portraits de la Renaissance.
Bracelet de François-Désiré Fromet-Meurice, vers 1850. ©Tajan, 2024
Les bijoux de sentiment et de deuil
Cette époque est marquée par une forte sentimentalité.
Le Fer de Berlin (Fer de Silésie) : Né en Prusse (« Je donne de l’or pour du fer » pour financer la guerre contre Napoléon), ce bijou en fonte noire, à l’aspect de dentelle gothique, devient très populaire en France comme symbole de deuil ou de mélancolie romantique.
Les Bijoux de Cheveux :
Véritable phénomène de société, on tisse les cheveux des êtres aimés (disparus ou lointains) pour les enchâsser dans des médaillons, des bagues ou des bracelets, souvent sous verre.
Vers 1822, or, cheveux tissés, émail.
Paris, musée des Arts décoratifs
La transition Louis-Philippe (le bijou bourgeois)
Vers 1830, le style s’embourgeoise légèrement. Les volumes deviennent un peu plus plats et les couleurs changent. Les émaux colorés réapparaissent. La mode est aux bracelets portés par paires (un à chaque poignet) et aux lourdes boucles de ceinture, soulignant la taille fine des robes de l’époque. On note aussi l’apparition du « nœud algérien » suite à la conquête de l’Algérie.
Mellerio dits Meller Bracelet commandés par Marie-Amélie avec le portrait de la duchesse d’Aumale Localisation : Collection privée Photo © Christie’s Images 2018.
4. Le Second Empire : L’éclectisme et le faste de l’Impératrice (1852-1870)
Après la retenue de la période Louis-Philippe, le Second Empire marque le retour d’une France étincelante et audacieuse. Sous l’impulsion du couple impérial, Paris redevient la capitale mondiale du luxe. C’est une ère de « mélange des genres » où le passé est réinventé avec une virtuosité technique sans précédent.
L’influence d’Eugénie : Le néo-Louis XVI et la nostalgie de Versailles
L’Impératrice Eugénie voue un véritable culte à Marie-Antoinette. Ce goût personnel impose le retour du style Louis XVI-Impératrice : les nœuds de rubans (le fameux « nœud à la loupe »), les guirlandes de fleurs, les pompons et les cascades de perles fines reviennent orner les corsages. Les joailliers ne se contentent plus de copier : ils utilisent des montures en or et argent d’une finesse extrême pour laisser les pierres, et notamment le diamant (dont les mines d’Afrique du Sud commencent à être exploitées), exprimer tout leur éclat.
L’ingéniosité : l’art du bijou à transformation
C’est le triomphe du génie technique français. Pour répondre au faste de la cour, on crée des bijoux polyvalents dits « à transformation ». Grâce à de minuscules systèmes de vis et de charnières, un grand collier de parade peut se diviser en deux bracelets ; un devant-de-corsage imposant devient une broche plus discrète, tandis qu’une étoile en diamants peut se fixer, au choix, sur un diadème, un collier ou un peigne en écaille de tortue. Le bijou devient un puzzle de haute précision
Le bestiaire et l’astronomie : un naturalisme « exotique »
L’époque est fascinée par les découvertes lointaines et les sciences.
L’ornithologie :
on voit apparaître des bijoux d’une grande poésie représentant des oiseaux de paradis, des plumes de paon en émail, ou des colibris sertis de pierres précieuses.
Le cosmos :
La mode est aux astres. Les croissants de lune et les étoiles (souvent portées par séries dans les coiffures « à la Sissi ») deviennent des incontournables, symbolisant le rêve et l’infini.
Le bestiaire de « curiosité » :
sous l’influence du goût naturaliste, les insectes (abeilles, scarabées, papillons) et même les serpents, souvent émaillés ou sertis de cabochons, s’enroulent autour des poignets.
Les styles de « retours » et l’archéologie
Le Second Empire est par essence éclectique. On s’enthousiasme pour :
Le style néo-Grec et étrusque :
suite aux fouilles de la collection Campana, le joaillier Castellani remet au goût du jour la technique de la granulation (minuscules billes d’or soudées) et les motifs antiques.
à gauche : Eugène Fontenay (1824-1887), Boucles d’oreille, vers 1870
© Les Arts Décoratifs / photo : Jean Tholance
Le style néo-Renaissance :
On redécouvre l’émail peint, les figurines ciselées et les perles baroques, rappelant les œuvres des orfèvres du XVIe siècle.
La transition vers la modernité : l’or noir et les matières nouvelles
Le deuil de la Reine Victoria de l’autre côté de la Manche influence la France. On porte des bijoux en jais (charbon fossilisé) ou en onyx, tandis que l’émaillage noir sur or devient une signature d’élégance sobre. Enfin, c’est à cette époque que l’on commence à expérimenter l’aluminium, alors métal de grand luxe, et les premières matières synthétiques comme la gutta-percha.
Pour approfondir vos connaissances sur les bijoux de l’époque Napoléon III, nous vous invitons à consulter notre chronique qui leur a été dédié : Les bijoux Napoléon III : un reflet de l’éclectisme et du faste (1850-1890)
5. La Belle Epoque (1890-1914) : le platine et le triomphe du « style Guirlande »
Après les fastes imposants du Second Empire, la joaillerie entre dans une ère de légèreté absolue et de sophistication technique sans précédent. C’est l’âge d’or d’une aristocratie cosmopolite qui brille lors des bals de l’Hôtel Ritz ou de l’Opéra, parée de bijoux d’une blancheur monochrome et d’une finesse presque immatérielle.
La Révolution du Platine : L’Invisibilité du Métal
Jusque-là, les diamants étaient montés sur argent doublé d’or (pour ne pas tacher les vêtements). Mais l’argent s’oxyde et impose des montures massives pour tenir les pierres. La grande révolution technique est la maîtrise de la fusion du platine. Plus dur, plus résistant et inoxydable, il permet aux joailliers de réduire le métal à l’état de « fil » ou de « lame ».
Le serti « mille-grain »
Une signature de l’époque. On crée de minuscules perles de métal sur les arêtes des sertissures pour adoucir les contours et décupler le scintillement des diamants. Le métal semble disparaître au profit d’un halo de lumière.
Le Style Guirlande : Le Néo-Louis XVI Transfiguré
Sous l’impulsion de Louis Cartier, la joaillerie puise son inspiration dans l’architecture et les arts décoratifs du XVIIIème siècle français. C’est le triomphe de la symétrie et de l’élégance classique, mais réinterprétée avec une fluidité nouvelle.
Motifs iconiques
Les nœuds de rubans (souvent d’une souplesse textile), les festons, les couronnes de laurier, les passementeries et les carquois de dentelle.
La « Résille »
Les joailliers réalisent de véritables prouesses en créant des structures en platine si fines qu’elles imitent la dentelle ou le tulle, sur lesquelles les diamants semblent flotter comme des gouttes de rosée.
L’Architecture de la Parure : Du Diadème au Sautoir
La silhouette de la femme 1900 impose des bijoux spécifiques qui structurent la haute couture de l’époque :
Le Collier de Chien (Choker)
Popularisé par la Reine Alexandra d’Angleterre, il habille le cou de rangs de perles ou de plaques de diamants montées sur ruban de velours, mettant en valeur le port de tête.
Le Devant de Corsage
Un bijou monumental, souvent en forme de nœud ou de cascade (le motif « en pampille »), qui se fixe au centre de la poitrine.
L’Aigrette et le Diadème
La coiffure étant très volumineuse (« chignon Pompadour »), on y pique des aigrettes ornées de plumes de héron ou des diadèmes aux motifs célestes (croissants de lune, étoiles) et floraux.
Perles et Diamants : Une Esthétique de la Blancheur
La Belle Époque est l’ère du « bijou blanc ». On recherche l’harmonie entre le platine, le diamant (souvent taillé en « taille ancienne » ou « rose ») et la perle fine.
La Perle Fine
À l’époque, elle est plus précieuse que le diamant. Les rangs de perles naturelles parfaitement calibrés sont le symbole ultime du statut social.
Thématiques Naturelles
Au-delà des guirlandes, on note un naturalisme noble : le lys, l’églantine, mais aussi une fascination pour le monde marin (algues stylisées et volutes d’écume) qui annonce, en filigrane, les courbes de l’Art Nouveau.
Note pour le collectionneur :
Un bijou Belle Époque se reconnaît à son revers. La finesse du travail de sciage du platine au dos de la pièce doit être aussi parfaite que l’endroit. C’est ce qu’on appelle la « mise à jour », permettant à la lumière de traverser chaque pierre avec une clarté cristalline.
6. L’Art Nouveau (1880 – 1914) : la métamorphose du bijou
Si la Belle Époque est l’apogée du classicisme technique, l’Art Nouveau est une révolution intellectuelle. Comme le souligne l’exposition phare de L’École des Arts Joailliers, le bijou n’est plus un simple accessoire de statut, mais le lieu d’une « métamorphose » où les frontières entre les arts s’effacent.
La Joaillerie comme « Art Total » : Lalique, Fouquet, Vever
Trois noms dominent cette ère de rupture, chacun apportant une vision où le dessin prime sur la valeur intrinsèque des pierres :
René Lalique :
Le « père du bijou moderne ». Il ose utiliser la corne, l’ivoire et le verre, les mêlant à l’or pour créer des pièces sculpturales. Pour lui, une plaque de cou en émail a plus de valeur qu’une rivière de diamants si l’émotion y est.
Georges Fouquet :
Visionnaire, il comprend que le bijou doit s’intégrer au corps et au vêtement. Sa collaboration avec Alphonse Mucha (notamment pour le célèbre bracelet-serpent de Sarah Bernhardt) marque l’union sacrée entre les arts graphiques et l’orfèvrerie.
La Maison Vever :
Portée par Paul et Henri Vever, elle excelle dans le naturalisme poétique, avec des pièces comme le pendentif « Le Réveil », où l’ivoire et l’émail plique-à-jour capturent la fragilité de la vie
Un Dialogue avec l’Architecture : De la Ligne à la Structure
Il existe un parallèle fascinant entre un bijou Art Nouveau et les structures de Victor Horta ou d’Hector Guimard.
La Ligne Organique :
La « ligne coup de fouet », sinueuse et asymétrique, que l’on retrouve sur les balustrades de l’Hôtel Tassel à Bruxelles (Horta), dicte la forme des broches et des peignes. Le métal semble vivant, en pleine croissance.
La Structure Apparente :
Comme les architectes qui laissent deviner l’ossature de fer des bâtiments, les joailliers utilisent le métal pour dessiner les nervures d’une feuille ou les veines d’une aile d’insecte.
Prouesses Techniques : L’Alchimie du Feu
L’Art Nouveau est indissociable de la maîtrise de l’émail, utilisé non pas comme un simple décor, mais comme une matière de lumière :
L’Émail Plique-à-jour :
Technique reine de l’époque, elle consiste à suspendre l’émail dans des alvéoles sans fond. Le résultat ressemble à un vitrail miniature, permettant à la lumière de traverser le bijou, imitant à la perfection la transparence d’une aile de libellule.
L’Émail Ciselé et Satiné :
On joue sur les textures pour rendre le velouté d’un pétale ou la peau d’un reptile, une recherche de réalisme sensoriel inédite.
Thématiques : Natures Féériques et Abstractions
Le répertoire s’éloigne de la rose domestiquée pour explorer :
Le Bestiaire de l’Étrange :
Libellules, chauves-souris, paons et serpents. On cherche la beauté dans le sauvage et le mystérieux.
La Femme-Métamorphose :
Inspirée par les affiches de Mucha, la femme est représentée comme une nymphe, une sirène ou une fée, dont les cheveux se transforment en lianes infinies.
L’Abstraction Naissante :
Vers 1910, comme le montre le parcours de l’exposition Van Cleef & Arpels, les motifs se stylisent. Les courbes se simplifient, annonçant déjà les prémices de la géométrie Art Déco.
Note pour le collectionneur :
Un bijou Art Nouveau est une « peinture de métal et de feu ». Observez la qualité de l’émail à contre-jour : il doit être d’une clarté cristalline, sans bulles. Ces pièces, souvent fragiles par nature (usage de la corne ou de l’ivoire), exigent une conservation méticuleuse à l’abri de l’humidité et des variations de température.
Ce guide et glossaire des bijoux anciens sera complété dans les semaines à venir avec les époques suivantes : Art Nouveau, Art Déco, années 1940, années 1950, années 1960 et 1970.
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Par ailleurs, vous pouvez d’ores et déjà consulté certaines de nos chroniques qui traitent de manière non exhaustive de certaines périodes :
